拍卖女神毕加索的绘画水平怎么样

1、拍卖女神，毕加索的绘画水平怎么样？

巴伯罗·毕加索（西班牙语：Pablo Ruiz Picasso，1881年10月25日-1973年4月8日），出生于西班牙马拉加，西班牙画家、雕塑家，法国共产党党员，立体画派创始人，20世纪现代艺术的主要代表人物之一，被称为“人类艺术史上罕见的天才”，是少数能在生前“名利双收”的画家之一。其遗世的作品达二万多件，包括油画、素描、雕塑、拼贴、陶瓷等作品。他的私人收藏，包括他自己及朋友的作品，都已捐赠给了法国政府。巴黎建有毕加索博物馆。

拍卖女神毕加索的绘画水平怎么样

当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家。据统计，他的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。他对二十世纪的艺术史有着浓墨重彩的一笔，人们称他为“人类艺术史上罕见的天才”[1]。在西班牙内战和纳粹占领法国期间，毕加索坚定地站在民主和进步势力一边，积极参与反法西斯斗争。

艺术生涯与成长

蓝色时期斗牛士

由1900年起毕加索一直往来于西班牙及巴黎之间。1904年在巴黎定居，住在著名的“洗衣坊”。在巴黎，他结交了马克斯·雅各布、范唐吉、隆尔蒙、阿波里耐和拉平·阿吉尔的房东的女儿马德莱娜，他为马德莱娜绘了几幅肖像。其时他的作品仍受到在巴塞罗那大行其道的象征主义影响。

毕加索当时的生活条件很差，又受到德加、雅西尔与土鲁斯·劳特累克画风的影响，加上在西班牙受教育时染上的西班牙式的忧伤主义，这时期的作品弥漫着一片阴沉的蓝郁[2]。

粉红时期

1906年毕加索结识了马蒂斯。其后又认识了德兰和布拉克，与费尔南德·奥利维耶在蒙马特同住。其时他的经济已好转，生活要比以前愉快得多，画作用色变为轻快的粉红；绘画对象亦由蓝色时期的乞丐、瘦弱小孩和悲戚妇女转向街头艺人、杂耍艺人及风华正茂的妇女。

1906年至1910年非洲时期(黑人时期)

1906年毕加索从德兰的非洲面具中得到启发，直至年底，其作品一直受非洲面具影响，此即为毕加索的非洲时期。他笔下的人体健硕而深沉，这种特征，在1907年的《阿威农的姑娘》中显露无遗，由不同组件组成的人体可从几个角度来观看，揭示毕加索的立体主义时期的来临。然而，整个时期仍有受塞尚影响的痕迹。

分析立体主义亚威农少女

毕加索大部分的艺术家朋友都由蒙马特迁到蒙帕纳塞，他亦随他们迁居。其时的立体主义体验达到巅峰。雅克·比斯这样评论他：“作品由素描建构，色与调弱化到最起码的灰色与浅暗橘黄色；形体是几何图形化与综合而成的，造成迹近压抑其可辨认身份的效果，闯出桎梏，最终与形体剥离。”仿如从一面棱镜的焦点去看一个单一影象的多元角度。生活本来就是如此，然而毕加索把它延伸到肖像上。他与布拉克制作出第一批拼贴画。

综合立体主义

1914年，战争使立体主义画家分道扬镳，各奔前程。毕加索重拾自由与个人在色彩上的品味，还有那旺盛的精力。无论从风格与绘画的对象上，他的“立体印象派”创作变得更加自由。纵观他的所有作品，他并未把自己局限于立体主义，而是继续从各方面探索。例如，1915至1916年的作品是自然主义的；1917年的却是现实主义。

代新古典时期

毕加索居于意大利，刚为迪亚希列夫执导的俄罗斯芭蕾舞剧《游行》设计背景与服装，其时邂逅了芭蕾舞演员奥尔加·科赫洛娃。1918年他与科赫洛娃结婚，婚后诞下一子。这段较安逸生活正值毕加索创作生涯的新古典时期，1921年与1926年他继续制作立体主义作品，1923年的作品却走现实主义路线。

1925年至1932年，毕加索进入超现实主义时期。1933年至1934年逗留西班牙期间，牛首人身怪作品出现。1927年他邂逅了极年轻的玛丽·泰蕾兹·瓦尔特，她成为他的模特儿，且为他诞下女儿马姬。此时，毕加索并没有与妻子离婚，却又与一名热情女画家兼摄影师多娜·马尔同居，他为马尔绘过几张画。他们的关系维持了差不多十年。在大奥古斯丁路的新工作坊内，毕加索创作了大型制作《格尔尼卡》，其间做了许多筹备制作工作。

格尔尼卡

1943年，他结识了法兰丝娃·季洛，与她在昂蒂布的米迪同居。1945年他在瓦洛里斯绘画了一系列的静物画，并创作陶瓷。他的儿子克洛德于1947年出生，1949年再诞下女儿帕洛玛。他的作品中除了显示这种简单家庭生活的快乐之外，还表达了他对政治的承担：1944年绘制《骸骨的藏室》，1947年有《为了法国而死的西班牙人》。他继续绘画静物、风景、肖像……1950年，库尔贝的《塞纳河边的女人》启动了他的围绕名家大师作品的变奏创作。

1954年，法兰丝娃·季洛离开毕加索。毕加索在瓦洛里斯结识了贾桂琳·罗克，之后便与这女人共度余年。1959年之前他们居于康城，他在康城为德拉克鲁的《阿尔及尔的女人》与贝拉斯克斯的《宫女》埋头作画，同时继续《画室》的后续工作。他先搬到沃韦纳盖斯，然后在木甘附近的娜特丹·德·米城堡定居，继续他的变奏系列创作。由1960年到1972年，他孜孜不倦地工作。仅在这13年内，在目录中记载的作品已超过千件，种类分别有版画、素描和油画等。毕加索于1973年逝世，终年92岁。

毕加索的作品，无论质还是量，都是惊人的，约达六万件之数。这位天才横溢的艺术家“在极其漫长的创作活动的每一刻，似乎想做的都让他准确无误地作到了。为何有此能耐？他自己都不能解答。结果是十八般武艺，他样样皆能。”

代表作品介绍

他一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。代表作品有：《亚威农少女》，《卡思维勒像》，《瓶子、玻璃杯和小提琴》，《格尔尼卡》，《梦》。

《亚维农少女》

毕加索作，1907年，油画，纽约，现代艺术博物馆藏。1906年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响，而转向一种新画风的探索。于是，他画出了一幅具有里程碑意义的著名杰作——《亚维农少女》。这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚维农少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。毕加索这幅《亚维农少女》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然;草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家一一去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。

这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形;而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来;它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。

从这幅画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面;左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸;而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。

毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好像表现的是一个浮雕的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。

实际上，《亚维农少女》是一个独立的绘画结构，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品。它以某种不同于自然秩序的秩序，组建了一个纯绘画性的结构。

《卡思维勒像》

《卡思维勒像》，毕加索作，1910年，油画，100×61.5厘米，芝加哥，芝加哥艺术中心藏。毕加索1909—1911年“分析立体主义”时期的绘画，进一步显示了对于客观再现的忽视。张力。

这幅《卡思维勒像》，清楚显示了毕加索是怎样将这种分析立体主义的绘画语言，用于某个具体人物形象的塑造的。令人费解的是，恰是在这种分解形象和舍弃色彩的极端抽象变形的描绘中，毕加索始终不肯放弃对于模特儿的参照。

为了画这幅画，他让他的这位老朋友卡思维勒先生耐着性子摆好姿势，在他的面前端坐了有二十次。他不厌其烦地细心分解形体，从而获得一种似乎由层层交迭的透明色块所形成的画面结构。画中色彩仅有蓝色、赭色及灰紫色。色彩在这里只充当次要的角色。虽然在线条与块面的交错中，卡思维勒先生形象的轮廊还能隐约显现，然而人们却难以判断其与真人的相似性。

研究毕加索的最著名的专家罗兰·彭罗斯，在看了这幅画后，曾作过这样的评述：“每分出一个面来，就导致邻近部分又分出一个平面，这样不断向后移动，不断产生直接感受，这使人想起水面上的层层涟漪。视线在这些涟漪中游动，可以在这里和那里捕捉到一些标志，例如一个鼻子、两只眼睛、一些梳理得很整齐的头发、一条表链以及一双交叉的手。但是，当视线从这一点转向那一点时，它会不断地感到在一些表面上游来游去的乐趣，因为这些表面正以其貌相似而令人信服……看到这样的画面，就会产生想象;这种画面尽管模棱两可，却似乎是真的存在，而在这种新现实的匀称和谐生命的推动下，它会满心欢喜地作出自己的解释。”(文物出版社《毕加索》，1998年，第10页)

《瓶子、玻璃杯和小提琴》

《瓶子、玻璃杯和小提琴》进一步显示了对于客观再现的忽视。这一时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。

1912年起，毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。他开始以拼贴的手法进行创作。这幅题为《瓶子、玻璃杯和小提琴》的作品，清楚地显示了这种新风格。

在这幅画上，我们可分辨出几个基于普通现实物象的图形：一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。

但是，这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。在分析立体主义的作品中，物象被缩减到其基本原素，即被分解为许多的小块面。毕加索以这些块面为构成要素，在画中组建了物象与空间的新秩序。他通过并置和连接那些笔触短促而奔放的块面，获得一种明晰剔透的画面结构，反映了某种严格而理性的作画程序。而如今，在综合立体主义的作品上，他所采取的恰是正好相反的程序。他不再以现实物象为起点，将物象朝着基本原素去分解，而是以基本原素为起点，将基本的形状及块面转化为客观物象的图形。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把一个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得一种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的材料，拼贴出不同形状的块面。这些块面，一方面显示着画以外的那个世界，另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。难怪他的画商及好友卡恩维勒会如此地评价他：“即使没有摆弄画笔的本领，他也能搞出绝佳的作品。”在这幅拼贴的画上，左边的一块报纸表示一只瓶子，那块印有木纹的纸，则代表着一把提琴。而几根用木炭笔勾画的坚挺的线条，则使这种转换得以实现，并且将那些不相干的拼贴材料，纳入一个有机的统一体中。

这种拼贴的艺术语言，可谓立体派绘画的主要标志。毕加索曾说：“即使从美学角度来说人们也可以偏爱立体主义。但纸粘贴才是我们发现的真正核心。”在这种拼贴语言的运用中，毕加索显然比别的立体派画家(如布拉克、格里斯等)更为大胆和富于幻想。别的画家在拼贴不同的纸片时，多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题，他们总是把木纹纸限于表示木质的物品(如桌子、吉他)。而毕加索则全然摆脱这种约束。在他的画上，一张花纹墙纸可用来表现桌面，一张报纸也可剪贴成小提琴。毕加索曾在与弗朗索瓦·吉洛的交谈中，阐述了他对于拼贴的看法：

“使用纸粘贴的目的是在于指出，不同的物质都可以引入构图，并且在画面上成为和自然相匹敌的现实。我们试图摆脱透视法，并且找到迷魂术(trompe L'esprit)。报纸的碎片从不用来表示报纸，我们用它来刻画一只瓶子、一把琴或者一张面孔。我们从不根据素材的字面意义使用它，而是脱离它的习惯背景，以便在本源视觉形象和它那新的最后定义之间引起冲突。如果报纸碎片可以变成一只瓶子，这就促使人们思考报纸和瓶子的好处。物品被移位，进入了一个陌生的世界，一个格格不入的世界。我们就是要让人思考这种离奇性，因为我们意识到我们孤独地生活在一个很不使人放心的世界。”(弗朗索瓦·吉洛等《情侣笔下的毕加索》，天津人民出版社，1988年，第60页)

《格尔尼卡》

《格尔尼卡》，毕加索作，1937年，布面油画，305.5×782.3厘米，马德里索菲亚王妃艺术馆(Reina Sofía Art Museums)馆藏。毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，他说：“我不是一个超现实主义者，我从来没有脱离过现实。我总是待在现实的真实情况之中。”这或许也是他选择画《格尔尼卡》的一个重要原因吧。然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛象征强暴，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征光明与希望……。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的左边，一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的右边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远的左处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。

画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统;手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型;那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处;而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。

乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形;三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。另外，全画从左至右可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象;第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛;第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”;而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。关于《埃斯塔克的房子》

另类作品

毕加索和平鸽相关图集

毕加索的作品，最著名的是和平鸽，《格尔尼卡》，以及无数长着三只眼睛，几个乳房的怪人画，使他成为二十世纪最具争议，也最有影响的艺术家。即使看了说不出所以然的人也只有跟着全世界喝彩。要是遇到其他什么人画的看不懂的画时，就会说一句：“这是毕加索。” 不管你欣赏也罢，不欣赏也罢，画笔、木头、陶泥、石料，到了他手里，做出来的作品就别具一格，韵味十足。说到毕加索的艺术生涯，就要说起毕加索一生中的女人。他有过两个妻子，这是明媒正娶在教堂里宣过誓的，还有四名众所周知的同居情妇，还有其他的就难以数得清了。他在一九七三年逝世以后，从分散在各地的博物馆和私人收藏品里，发现了许多鲜为人知的作品，让人们看到了毕加索最隐秘的一面。那就是毕加索爱女人，爱女人的身体，爱女人身体上的特点。他的一双炯炯有光的黑眼睛，愣愣地盯着女人的特点，在他的画笔下表现得纤毫毕露。

艺术评论家让·菜玛里在《正常与偏常》（一九八八年）一书中说：“二十年前，有人要我做—次关于艺术与性的讲座。我去看毕加索，问他该怎么讲。他回答，还不是老一套。”毕加索一生都受性的诱惑，他在作品与生活中都全身心地享受性的乐趣。据让·克莱尔说，“毕加索每次换个女人，也是每次换个标准，换个视觉，因为他要全部占有女人，直至她的视觉；这时他自己也换了个人。”“标准”、“改变视觉”、“性的对话”、“性与心的转换”、“占有女人直至她的视觉”，这是毕加索的艺术中的性心理学的。

毕加索是20世纪现代艺术的主要代表人物之一，遗世的作品达二万多件，包括油画、素描、雕塑、拼贴、陶瓷等作品。毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画 6121幅。

跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。

2、怎么破解现在的销售困境和难题？

从四个方面分析市场：

一、找到产品卖点

我发现了一句话：“范围局限在宁波周边。通过两年努力做了一些成功的案例。但毕竟一个城市的市场有限，市场也接近饱和。今年开始我们找了很多其他城市的经销商（江浙沪内）的，成功的很少，即使成功合作的也不是很好。”

分析：

在宁波已经打开市场局面，产品有客户认可。但为啥宁波市场成功了，而其他市场销售不成功？难道在宁波市场，你们产品就不存在“上面有大品牌打压，下面有广东货横扫，自己受困于价格与品牌弱势”的痛点？显然，用品牌不如大厂家，价格不如广东货的理由来解释，值得推敲和商榷的哦。

还有，客户既然选用你家产品，难道他们就不觉得你家产品的两大痛点？当时他们为啥不买广东货？为啥不买大品牌？

我的猜想有3点。

1、客户曾经用过广东货，发现采购价格倒挺合适的，但质量实在不敢恭维，灯具经常更换，这算下来并不合算，所以决定弃用。

2、大品牌质量有保证，这是众所周知的事情，但老板会让采购部全部都购买名牌产品吗？采购成本受的了不？靠，如果只是花钱买名牌，那还要采购部何用？老板意图其实非常明确：“你们采购部都跟老子听好了啊，采购产品不是越名牌越买，而是去采购性价比好的产品！

也就是像你们家这样的产品，比名牌差在品牌上，所以价格便宜些，但又比广东货质量好上一层，这样就是性价比好的目标采购产品！老子要的就是这类产品！说白了，就是质量有保证，能像名牌基本看齐，但价格必须下来一大截！”

3、你们产品最后中标，看看客户群基本面貌就知道，用灯量巨大，用灯时间长，恨不得一天24小时都开着。他们采购部自然清楚老板用意：“花少钱买好货”！广东货？不一定能达标，你们产品绝对能跟他们PK，就看意思如何表达了哦。

所以你在推荐自己产品的时候，谈“性价比”是个好思路。假设名牌灯具寿命100小时，100元/具（性价比1），你们产品寿命80小时，70元/具（性价比1.14），广东货寿命30小时，40元/具（性价比0.75），显然，你家产品性价比最好啊！呵呵，简单类比，瞎想象啊，不妨在此基础上多多发挥！

二，建立销售信心：

我有个小担心啊，呵呵，我担心哥们你整天在抱怨：“很多通过经销商出去的产品价格低于我们的成本；我们基本没有品牌可言；经常不能按时交货；货物经常损坏。”

老是这样说，对自己自信心打击有点大。不如这样来思考：“靠，广东货算啥玩意，那也叫灯具啊，跟老子产品比，整个就是簸箩货，价格便宜有屁用，整不了两天就坏了。

做销售或创业都需要靠自己去摸索，成长免不了要碰的头破血流，如果有高手指点一二，省下来的绝对不是一天两天的时间，销售创业高手群每天分享销售技巧和创业经验。群：二流叁玖玖伊伊七叁，验证码：清风，一起探讨销售、创业问题，欢迎大家！大牌产品价格那么贵，质量也不比我们产品好多少嘛，就算客户再有钱，图省事，也不想当冤大头啊。”对，销售就是要每天给自己打气！

你面对的是，一天听到无数客户的抱怨，被拒绝N次，但你还要笑脸相迎。没点乐观精神做支持，恐怕坚持不了多少时间呀。呵呵，换个思路想问题，在心里把自己产品优势发挥到极致。

如果你们产品价格是广东货的价格，质量是大牌质量，老板还请你做销售干嘛？你们厂子早就上市去了呢，呵呵，困难不可怕，可怕的是天天嚷嚷困难，希望哥们多多注意，把事情多往好里想！

三、发掘销售技巧：

假如哥们你是甲方采购，我是你们厂子的销售经理，我相信2—5个月之内能搞定合同。

1、我会研究同行产品性能，自己领导销售部，联合技术部做竞品对比试验，摸清同行底牌，销售时找机会点他们一炮，说出他们产品痛点，尤其是广东货的缺陷，再利用比喻手段放大缺陷（请查阅以前的拍卖自由女神像的帖子，有介绍）

2、仔细研究灯光（想象啊），我感觉灯具永久了，灯光会发生某些变化（变暗，且颜色也有变化），熟悉后，眼睛一扫就知道这只灯具安装多久时间，还剩多少寿命。以此树立自己专业形象，同时指出客户使用时的潜在问题。

3、仔细研究客户使用状况，按性价比来帮他们计算一笔经济账。别光盯老子价格不放，我们通盘考虑的是性价比！

4、搜罗过去大客户使用情况，征集到客户感言、评价、人物合影照片、使用产品的场地照片，合同复印件。拿这堆资料用甲方吸引甲方的手段打动新客户。

5、仔细研究客户群结构，分析盘整数据，从而得出结论——什么样的客户群才是我们最有希望打进去的？分析可以从客户群的行业、规模、成立时间、厂子、特点、灯具使用数量、资金、采用竞品的档次、甲方代表采购理由等方面入手。（曾有回帖，说的更详细）

6、拜访完客户，负责帮他们安装5盏测试灯具，测试是假，以检测灯具使用情况为借口，接近客户是真，这个回访客户的理由好，名正言顺，以此加大与客户见面机会，并且抓住迅速搞定客情关系！短期、中期、长期客户皆能通吃！

四、市场开拓

不建议大面积招商，还应局限某些重点城市精耕细作，打歼灭战。既然你们厂子在宁波，货运和生产又都无法全面保障，那么手脚伸的太长，经销商会全力伺候你们吗？售后服务跟不上嘛，把他们搞火几次，嘿嘿，他们也许会终止合同。建议：还是应该围绕宁波来做周边市场。

你们产品不是拼价格的走法，广东货凭借价格优势，可以大面积招商，产能也有保障，他们采用的是低价冲销量，用规模化销量降低产品成本，走低端路线。

你们显然模仿不来。给你们老板一个建议，饭要一口一口吃，工厂才20多人，产能有限，市场不要一下子铺开来做，资金压力过大的话，现金流绷紧就不好玩了哦。

宁波市场已建设成为样板市场，就该充分利用样板市场的示范和辐射作用。先从周边城市入手，一座一座精耕细作，逐渐把广东货扫荡出局。如此一来，市场占领了，客户群开始建立了，营销费用控制住了（按宁波市场开发模式，重复制新来一遍），供货也能跟上（生产能力跟随市场同步增长）。

3、提起女性艺术家？

感谢您的问题；首先提起期女性艺术家会想到民国时期的女豪杰

关紫兰（中国第一代女性油画家）

短短三十来年，民国女画家数量超过以往几千年。头一批留学西洋的男画家，声名太大，掩盖了留日的一支，其中，陈抱一、关良、关紫兰，顶有才气。关紫兰，上海女子，真正大家闺秀、绝代佳人，而关紫兰美到这份气质，不赞美，便是罪过。可是你瞧关紫兰的画，就忘了她相貌。她下笔的胆气和瓦拉东有一拼，且是纯然天生。

不管别人如何赞美她，关紫兰非常清醒自己的所作所为，既不卖弄自己的风姿，也从不肯趋炎附势。她的脑子很清楚：在乱哄哄的世界，保持傲然一切的学术精神，并非没有意义，相反是功莫大焉。

其次是关玉兰的画作；

关紫兰（中国第一代女性油画家）

关

关紫兰就读的中华艺术大学可不是一所普通的学校，前期是由我国一些爱国人士创办，后来由我党出面接办，与左联有着密切的关系。

1927年6月，中华艺术大学举行美术展览会，展出师生作品二百余幅。《良友》编辑梁得所和作家高长虹等前往参观，会晤学校的老师陈抱一、丁衍镛。这样我们就看到《良友》第17期上，有关紫兰和崔文英两位女生的作品和照片。

1927年关紫兰从中华艺术大学毕业后，本来打算到法国留学，可是恩师陈抱一告诉她，真正学习西洋画，不一定要去法国，于是由陈抱一介绍，到日本留学，入日本东京文化学院。

1927年6月，关紫兰乘船从上海出发，到达日本神户时，受到日本各界人士的热烈欢迎，日本大阪朝日、大阪每日、每夕等各报及各大新闻社，都有关于关紫兰行踪的报道。我国公使张元节、日本外务省冈部子爵、警视厅外务课长、神户关税官西贞吉，还有日本著名女画家龟高文子、画家各川中间等，都对关紫兰的到来表示欢迎。

1927年8月10日到12日，得到中国公使馆、日本东亚艺术协会、神户又新日报馆社、《上海时报》日本支局、每夕新闻社、华侨新闻社等单位的帮助，关紫兰个人画展在神户市顺利举行。作品有近50幅，其中油画占多数，此外还有木炭画、水彩画、铅笔画。

此次画展参观的人有千人之多，展出时间每天从上午8时到晚上9时，本来只是白天开放，可是人实在太多，因此晚上也不得不开放。画展博得中日人士的赞扬。日本内务部能势氏觉得关紫兰的笔触宏伟，不亚二科会中之作。女画家龟高文子等均认为关紫兰的作品色彩鲜艳，构图巧妙，赞叹关紫兰有艺术天才，称赞中国人的头脑特别具有美术性。

在1927年8月29日《申报》第4版上，署名雪芬的记者，写了篇《关紫兰个展的观感》，说到：“可见日本对于艺术的爱好和推尊，不数10年间，使粗鄙民族的社会里，一变而为文明化、艺术化的新邦，这点无论那一个人都要承认的。回顾我国是应该如何努力，使我们的'美的国民性、光辉灿烂的表现出来’。我对于关女士这次的作品展览会，表相当尊意的。”

关紫兰在日本先后参加了日本“二科”美术展、上野美术展、兵库县美术展。1927年10月日本著名艺术月刊杂志《妇人——女士造型》对关紫兰其人其画作了详细介绍，给予这位来自中国的女画家高度的学术评价。

在那儿，关紫兰一方面为了学习日语，另外一方面可以广泛地接触其他专业人士。日本学堂的优越学习条件和治学环境，比上海中华艺术大学西洋画课好多了。这里不仅有翔实的美术史料，印刷精良的洋画片，还有不少欧洲油画原作的临摹手笔。同时，关紫兰还时常可以看到西洋大师们的原作画展，真正领略西洋油画的奥秘。面对这一切，关紫兰感到欣喜不已。

关紫兰在日本留学期间，主要得益于两位日本著名画家的点拨。他们是油画家有岛生马和中川纪元，这两人均是留学法国的大才子，谙熟各种油画技术，尤其擅长法国野兽派的艺术，以形写意的笔触和大胆泼辣的色彩，简约又热烈的形体“变异”，对当时日本画坛冲击很大。

关紫兰赴日后，对野兽派绘画有了更深入的了解，加上本人对色彩的敏感，使她的画深得野兽派的精髓。关紫兰用笔豪放，潇洒自如，并时时透露出坚强与宏伟，一派大家风度。

1930年日本当局发行的《水仙花》明信片，即关紫兰在日本展览会上的作品，这与当时日本西洋画时尚有关。明信片由兵库县发行全日本，这对一个涉足日本画坛才二三年的刚出道者来说，的确是鲜见的现象。

近年，上海有位画家谭根雄评价这件事时，他认为关紫兰在日本走红有三个原因：一是日本画坛非常尊重陈抱一，力荐关紫兰的缘故；二是年轻的关紫兰油画艺技娴熟，深受画坛同仁的赏识，尤其是被有岛生马和中川纪元等人所器重；三是关紫兰既聪明又漂亮，在上层社会非常得宠。

1930年，关紫兰回国，在上海唏阳美术院任教。

1930年夏天，关紫兰在华安大厦举行个人作品展览。参观者异常拥挤，文艺界许多名人都到会。

关紫兰在展览会上的作品有新创作的，也有一些旧作，油画有60幅，素描10幅。这些画的色彩鲜艳明丽，构图新颖，给人留下美好的印象。

在1930年8月4日出版的《艺友》第5期上，除了印有关紫兰的照片和两幅作品：《提琴》和《L女士像》外，还刊有肇宁的文章。文章说：“固然，《水仙》是幅美丽而潇洒的静物，是她初期的代表作。但和近作《L女士像》、《提琴》一比，就可以看出近期作品表现力更沉着，色调更美致清纯，内容表现得更充裕而有可味，这也足证明近年间女士是如何努力而进步了。由于这些作品，谁也不难想象她艺术前途底进展是无限的。”

当时一些刊物都争相登载关紫兰的作品和照片，如《万有周刊》、《良友》、《小世界》等。尤其是《良友》，不仅在封面上登关紫兰的大幅照片，还有整版的作品及相片。在1930年10月出版的《良友》第15期上，有一张集体照，说明写着：“展览会中友人留影”，里面有关紫兰、陈抱一、女画家钟独清等十几个人，还有六七个小孩子。这是张非常珍贵的老照片，如果有人认出上面的人，那可是件美事，能为中国现代美术史增添不少资料。

为了自己的事业，关紫兰一直到35岁才结婚，丈夫是位医生，姓梁，时间是1938年，后来生了个女儿，叫梁雅雯，长大后，在海南中学当老师。

从1930年关紫兰开个展，沉寂10年后，在1941年再次举行画展。人们惊奇地发现她的画有点改变，关紫兰已经放弃了变形、夸张，而转入到写实的手法中去，可是这种写实，绝对不是庸俗，而是表现的、单纯的、洗练的写实。10年前粗健的力与雄壮的气势，好像是消失了，确实变成了像新女性的美一样的画面。关紫兰的内心，是蕴藏着无限的强力，所以画面上比10年前更明快，更妩媚，更甘甜，而内在的一切更真挚、更亲切、更结实、更深沉了。

当时法国现代女画家罗郎香（Lauroncin）在上海开画展，因此有人将她与关紫兰作比较。1941年6月出版的《永安月刊》第26期上，温肇桐写了篇文章《女画家关紫兰》，说道：“蛰伏已过10年的中国女画家关紫兰，今年将在孤岛画坛，把10年来沉默中的苦索与研究，重予观者以新的兴奋，这是一个绝好的消息吧。

不过，还得明白，关紫兰虽则是现代中国的一位女油画家，她的作品，不像罗郎香的只表现了女性的优美，又透露了女性的纤弱，她确有像宝石一样晶莹玉润的色彩有像天鹅绒一样温馨的画面，有小鸟一样活泼的笔触，可是男性所特有的坚强与宏伟构成，在她的画面中已经老早就有了，只要看1927和1928两年连续出品'二科画展’的《静物》与《西湖》就可以觉得的。”

不管别人如何赞美她，关紫兰非常清醒自己的所作所为，既不卖弄自己的风姿，也从不肯趋炎附势。她的脑子很清楚：在乱哄哄的世界，保持傲然一切的学术精神，并非没有意义，相反是功莫大焉。她作为一个艺术家，倘失去了一个新女性的品格、理性与智慧，仅剩下欲望和美丽，那又与幽巷里的普通家庭主妇有何区别，又何以修养治平、美育社会呢？

1949年10月以后，关紫兰住在虹口区，1963年成为上海市文史研究馆馆员，又是中国美术家协会会员。到了上世纪60年代，她的头发逐渐灰白，但总是打扮得整整齐齐，将头发往后梳，着一身对襟中式棉衣，脖子围一条方格子苏格兰呢绒长巾，操一口带有浓郁广东腔的上海话。

“文化大革命”中，关紫兰已不再拿画笔，伤透了心，可是对生活还是充满了信心。她经常散步到南京东路上的德大西餐馆和东海西餐馆去喝咖啡，有时兴致高，就到地处铜仁路上的上海咖啡馆去喝一杯浓浓的咖啡。关紫兰这种做人的逍遥心态，在激烈的阶级斗争年月里，也是迫不得已的最好方法。

关紫兰的一生，可谓既清高又矜持，到了晚年，还每月去长春路拐角上的斯维美理发店修饰自己，时常不忘记在身上洒些高档的进口香水，保持一种飘逸、清丽和积极的人生态度。尤其，她容不得那些“歌功颂德”的作品，认为那不过是垃圾一堆。